Los matices del miedo: 13 clásicos del cine que redefinieron el género del terror

Desde que existe el cine, los cineastas han contado historias diseñadas para aterrorizar y entusiasmar al público. Ahora que se acerca Halloween, exploramos las 13 películas atemporales que cambiaron para siempre nuestra forma de ver el terror.

Nosferatu (1922)

Esta adaptación no oficial de la novela Drácula de Bram Stoker, realizada en Alemania, se convirtió en un éxito inmediato en su país de origen y aterrorizó al público estadounidense varios años más tarde con su inquietante atmósfera. El punto fuerte de la película es que se realizó antes de que el terror se viera lastrado por los trucos y los clichés, convirtiéndose en una pieza de cine más pura y aterradora. Tanto el uso de localizaciones reales (una rareza en la época) como el compromiso de la estrella Max Schreck con su personaje aseguraron que la película viviría para siempre en la mente de los cinéfilos y fanáticos del terror. Una demanda del patrimonio de Stoker exigió que se destruyeran todas las copias, pero algunas fueron salvadas por los fans y circularon hasta convertirse en un favorito de culto. Como corresponde, ¡nadie pudo matar a este vampiro!

Frankenstein/La novia de Frankenstein (1931/1935)

Más que un icono del terror, la adaptación de James Whale de la novela de Mary Shelley se convirtió en un icono del cine. El más famoso de los monstruos de los Estudios Universal redefinió la historia en la que se basaba: muchas percepciones públicas de El Monstruo se relacionan con la interpretación de Boris Karloff, mientras que personajes como Igor y la frase “¡Está vivo! ¡Está vivo!” se convirtieron en parte de la leyenda a pesar de no estar en la obra de Shelley. Los críticos de la época la describieron como una nueva evolución del terror, que exploraba la tragedia de la criatura además de su aterradora ferocidad. La secuela, La novia de Frankenstein, aumentó la tragedia de la interpretación de Karloff al tiempo que creaba un nuevo ícono en la novia de pelo largo de Elsa Lanchester. Extrañamente, para lo que sería una interpretación tan famosa, Karloff fue considerado poco importante para la promoción de la película y ¡ni siquiera fue invitado al estreno!

La invasión de los usurpadores de cuerpos (1956)

Pocas películas han apuñalado el corazón de la psique estadounidense como este tenso clásico, que aún se mantiene como una desconcertante historia de paranoia. Utilizando elementos de cine negro, ciencia ficción y, por supuesto, de terror, sigue a un joven médico californiano que descubre una silenciosa invasión alienígena, en la que unas cápsulas están replicando y sustituyendo a todos los que le rodean. Fue un gran éxito de taquilla, pero no se ganó el aprecio de la crítica hasta algunos años después. Parte de esos elogios se debieron al hecho de que muchos escritores consideraron que la película era una alegoría del macartismo en Estados Unidos, ya que subrayaba la amenaza comunista o satirizaba el miedo de los Estados Unidos de la posguerra a que el comunismo se infiltrara en su sociedad, según la interpretación que se haga. Últimamente, la película ha sido descrita como una de las películas de terror más complejas y políticamente relevantes de la historia. No está mal, teniendo en cuenta que el final original (en el que nuestro héroe corría hacia el tráfico gritando “¡eres el siguiente! ¡eres el siguiente!”) fue rechazado y se añadió una escena más ligera por miedo a que el público se deprimiera demasiado.

Psycho (1960)

Una obra maestra de un verdadero maestro. El método de Alfred Hitchcock para asustar se hizo infame: entendía que el suspenso era la parte esencial para construir una reacción dentro de la audiencia, afirmando famosamente que “No hay terror en el golpe, solo en la anticipación del mismo”. Esto nunca está más presente que en Psycho, la historia de un apacible propietario de un motel con un secreto mortal. El legado de la película quedó asegurado casi desde su estreno, ya que Hitchcock recurrió a una fuerte promoción, implorando a los espectadores que no desvelaran el giro de la muerte de Marion Crane a mitad de la película, uno de los ejemplos más famosos de la muerte de un personaje “principal” a mitad de la película que conmocionó a todos los que la vieron. Desde entonces, es el referente del terror slasher, una película que da miedo y es hermosa a la vez, que juega con tu psicología de formas que no se habían imaginado antes.

El bebé de Rosemary (1968)

A veces, los momentos más terroríficos del cine surgen de las situaciones más ordinarias, y se necesitó un verdadero genio de la dirección para subrayar este punto. El bebé de Rosemary es una película de terror de bajo perfil protagonizada por Mia Farrow, una futura madre que descubre que ha sido engañada para engendrar un hijo del diablo. Encontrar el horror en las acciones cotidianas, la noción de que el mayor de los males se abre paso en algo tan puro como un niño no nacido, perturbó al público. Además, el director Roman Polanski no introdujo en su obra ninguna de las realidades exageradas de las películas de terror convencionales, convirtiendo la película en un drama sencillo en algunos aspectos con un reparto increíble (la actriz Ruth Gordon ganó un Oscar por su interpretación de Millie). En un género a menudo despreciado por ser de mala calidad, El bebé de Rosemary demostró que se podía aportar verdadero arte a una historia escalofriante.

El exorcista (1973)

Siguiendo con este tema, El Exorcista fue un hito en el terror moderno. La imagen de una niña -el epítome de la inocencia- poseída por el diablo perturbó a todos los que la vieron, llevando el género a un lugar diferente en términos de temas, tono y terror. Aunque era gráfica, nunca fue gratuita, ya que el director William Friedkin creó una escalofriante y creíble batalla entre Dios y el Diablo, arañando nuestras nociones de fe y maldad. Continuó la tradición de las películas de terror con mitos de la vida real que las rodean, con historias de varios heridos y un incendio en el set. Una vez estrenada, la reputación se extendió aún más: algunos cines incluso proporcionaron bolsas para enfermos en caso de que los miembros del público se sintieran mal viéndola, y la película fue prohibida en los vídeos domésticos del Reino Unido durante una década. Prácticamente todas las películas de exorcismo estrenadas desde entonces tienen una deuda de influencia con la que quizá sea la mejor película de terror de todos los tiempos.

Halloween (1978)

Inspirado en Psyhco, John Carpenter creó la primera película moderna de “slasher” e hizo de Jamie Lee Curtis una reina del género. Aunque influenciada por el pasado, introdujo muchas de las convenciones que vemos hoy en día en el género de terror, como un héroe femenino joven, que el asesino tenga su propio tema y que el villano vuelva a la vida justo cuando pensabas que lo habían matado. Las técnicas de cámara, como mostrar la perspectiva del asesino, se convertirían en algo habitual en las películas slasher que la imitaron, incluidas sus propias y múltiples secuelas y remakes (de las que Carpenter no participó). A diferencia de esas películas, este filme utiliza una trama intrincada y un mínimo de sangre, lo que hace que la lucha de Curtis por sobrevivir sea aún más emocionante. Otra película desestimada por la crítica en su momento, no se puede negar su influencia en las películas tanto de esta lista como del género en general.

El resplandor (1980)

La mayoría de los fans de Stephen King dirían que El resplandor es un desastre sin paliativos. Si bien es cierto que la interpretación de Stanley Kubrick de la película difiere notablemente del libro original, esta descarnada historia de locura te atrapa, al igual que a los muchos críticos que revisaron su opinión inicial de la película años después. Las imágenes surrealistas juegan con la mente y el decorado minuciosamente construido se va cerrando poco a poco sobre el espectador, creando una sensación visceral de la claustrofobia que reclama su protagonista, el inconfundible Jack Nicholson. Su cara sonriente y su frase “¡Aquí está Johnny!” (una improvisación que no aparece en el libro) se grabaron en la cultura popular: la vívida demostración del impactante descenso a la locura de su personaje. Es una historia que encuentra sus sustos a través de las imágenes y el pensamiento, lo que la convierte en una de las mejores obras del gran director. Puede que no sea la historia que escribió King, pero el viaje de Kubrick al Hotel Overlook es igual de eterno.

Scream (1996)

Uno de los maestros del terror de los 80, Wes Craven, dio un giro a la franquicia en los 90 con la primera película de Scream. A mediados de los 90, la moda de las películas slasher que había comenzado con Halloween, de John Carpenter, había dominado el cine de terror durante casi dos décadas, y necesitaba un cambio de imagen consciente. Neve Campbell se enfrenta a un asesino que utiliza las convenciones de terror más conocidas para cometer una serie de asesinatos en una pequeña ciudad. A pesar de ser un buen ejemplo de película slasher, lo que hizo diferente a Scream fue su voluntad de abrazar sus influencias con los personajes hablando abiertamente de las “reglas” para sobrevivir a una película de terror. La imagen de Drew Barrymore hablando cautelosamente por un teléfono inalámbrico se convirtió en un hito de los 90, y demostró que los sustos se mezclaban muy bien con el humor referencial. Inspiró una serie de imitaciones, tres secuelas y una serie de televisión, uniéndose a las filas de los clásicos que pretendía emular.

El aro (1998)

El Aro inspiró un gran interés por el cine de terror japonés (apodado “J-Horror”) a finales de los años 90, cuando el público, algo cansado de las películas slasher, empezó a desear un tono más sobrenatural para sus películas de miedo. La sencilla premisa de la película, una cinta de vídeo que te mata siete días después de su visionado, jugaba con los temas de lo prohibido, adhiriéndose a la noción de Hitchcock del terror que hay más allá de la puerta (o, en este caso, del botón de reproducción). En la cúspide de la era conectada, también proporcionó algunos comentarios sociales con el VHS maldito proporcionando una metáfora de la ansiedad de la humanidad en torno al aumento de la tecnología y su potencial para consumirnos. En una industria que suele estar liderada por las tendencias estadounidenses, esta película inspiró una serie de remakes en Estados Unidos, en los que los estudios de Hollywood intentaban emular la película original poco después de su estreno. Aunque la versión estadounidense de El Aro tuvo éxito, los entendidos reconocen que la original fue la que realmente cambió las reglas del juego.

El proyecto de la bruja de Blair (1999)

En los albores del nuevo milenio, una película utilizó el fenómeno relativamente nuevo de Internet para hacer una superproducción de bajo presupuesto, como no se había visto antes. Se crearon páginas web anónimas en las que se pedía información sobre un grupo de cineastas que se adentraron en el bosque en busca de la emblemática Bruja de Blair, para no volver a ser vistos. Fue uno de los primeros ejemplos de marketing en Internet, que creó un revuelo sin precedentes para el abuelo del terror de metraje encontrado. El público, e incluso algunos trabajadores de la industria cinematográfica, se preguntaban si la película era real, y el sitio web imdb.com daba por “desaparecidos” a los personajes en el momento del estreno. La película, que recaudó 248 millones de dólares con un mísero presupuesto de 50.000 dólares, ha influido en los cientos de películas de metraje encontrado que han surgido desde entonces y que han llegado hasta nuestros cines.

Saw – Juegos macabros (2004)

Otro subgénero propio del cambio de siglo era el “porno de tortura”, una tendencia en el cine de terror que se inclinaba por historias sádicas con muchos detalles de lesiones y escenarios de vida o muerte que invariablemente acababan en muerte. Entre ellas destaca Saw, una serie de calidad decreciente que comenzó con la primera entrega, ciertamente intrigante. El asesino en el centro de la serie, Jigsaw (Tobin Bell), jugaba con los que iba a matar sometiéndolos a “juegos” que daban la ilusión de poder jugar para salir de una muerte segura. Su predisposición a la violencia especialmente gráfica la ha enfrentado a la crítica, pero se ganó una legión de fans que la impulsaron a conseguir secuelas anuales hasta la séptima película en 2010. Aunque se estrenó más o menos al mismo tiempo que las películas de temática similar Hostel y Human Centipede, esta se distingue entre los aficionados como una verdadera maravilla sangrienta.

The Babadook (2014)

En los últimos años, las películas de terror de bajo presupuesto se han centrado en la mitología y el folclore. Películas como el thriller estadounidense The Krampus y la británica The Witch han sido noticia por encontrar sus elementos más aterradores en escenarios tradicionales. Sin embargo, un verdadero clásico moderno es la película australiana The Babadook. Cuenta la historia de una madre soltera horrorizada por la idea de que un monstruo llamado The Babadook se cuela en su casa a través de las páginas del libro de cuentos de su hijo. Explotando de forma experta nuestros miedos al mal dentro de la inocencia, es una película que logra el terror sin derramamiento de sangre (algo novedoso en el cine de terror moderno), poniendo la historia en primer lugar, pero sin olvidar nunca que estamos aquí para asustarnos. Tras su paso por el Festival de Cine de Sundance, la película se convirtió en una sensación de boca a boca, lo que provocó un segundo estreno en su país de origen, Australia, donde había sido prácticamente ignorada en su primera edición.