Las 20 mejores portadas de álbumes de Blue Note Records
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Durante 80 años, el sello discográfico de Nueva York Blue Note Records, le ha dado una imagen al jazz creando portadas de álbumes icónicas mediante un lenguaje visual indiferente a ser observado en una pantalla o en una carátula de disco de vinilo. Jeremy Owen explora a fondo el amplio archivo de la compañía discográfica para descubrir ejemplos destacados de su extraordinaria historia.
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Memorial Album (1952) – Fats Navarro con diversos artistas. Diseño: Paul Bacon. Fotografía: Francis Wolff. La apariencia:Al ser uno de los primeros discos de vinilo dentro del catálogo, la famosa impronta estética del sello no se había establecido aún, sin embargo, no resta valor a su diseño gráfico de la más alta calidad, el cual cuenta con un toque de ingenuidad de los años 50. Navarro fue un trompetista muy influyente, por lo que la silueta de su instrumento se usó como emblema del arreglo de portada con la adición inspiradora de los nombres de los artistas contribuyentes en lugar de sus pistones. Algunos elementos inusuales incluyen la lista de canciones, además de una atrevida mención al diseñador oculta en la campana de la trompeta.
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El sonido: Este álbum de principios de los años 50 demuestra cómo el jazz pasó de ser un estilo de música bailable a uno para escuchar. Las siete pistas cortas y agudas comienzan a dejar de lado el énfasis previo en la melodía y los arreglos para dar lugar a la improvisación y a la experimentación armónica;sin embargo, el álbum se mantiene dentro del estilo clásico característico, pero con una pista de lo que estaba por venir.
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Jutta Hipp con Zoot Sims (1956) – Jutta Hipp y Zoot Sims.Diseño: Reid Miles.
La apariencia:Lamentablemente, la importancia de las numerosas formas verdes y azules en esta portada se ha perdido con el tiempo (a menos que algunos lectores más informadosquieranprofundizar al respecto), al contrario de sufunda llamativa, más suelta y orgánica que una convencional, sorprendentemente original; las formas irregulares, tal vez una representación abstracta de la música, junto con las “notas azules” saltando a la vista, dan un significado especial:¿similar a una mujer alemana que compite en un escenario muy dominado por hombres?
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El sonido: Una selección maestra de canciones con ritmos extraordinarios, esta es la última obra de un pianista alemán antes de abandonar la industria de la música. Con composiciones originales y estándares, su música está dominada por los constantes solos del gigante del saxofón Zoot Sims, los cuales, junto con las contribuciones de los demás músicos, tal como lo sugiere su funda, se fusionan en un álbum “del” 50, pero cuyo encantose mantiene hasta el día de hoy.
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La apariencia: Con una ilustración de uno de los artistas más famosos de la historia (mientras que todavía era un ilustrador comercial contratado), esta es una funda encantadoramente simple. Aquí, la tipografía y el estilo dan un paso atrás en favor de un dibujo maravillosamente expresivo que captura las personalidades tanto de los artistas musicales como los artistas visuales, lo cual trasmite magistralmente el espíritu único de la música jazz.
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El sonido: Como elemento representativo del sonido de la década del 50, este álbum consiste principalmente en versiones de cancionespopulares de la primera mitad del siglo XX infundidas con el bebop, estilo característico que enfatiza la improvisación melódica mediante los rápidos solos interpretados al piano o con un instrumento de viento. Como sugiere la ilustración, las composiciones destacan la guitarra como instrumento principal, exhibida por una interpretación rápida e intensa que explora escalas y arpegios como base para la improvisación.
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Concert! (1959) – George Lewis y sus Stompers de Nueva Orleans Diseño: Desconocido.
La apariencia:Un enfoque maximalista como este es inusual para una funda de jazz de 1959, más aún cuando consideramos que proviene de un tiempo anterior al posmodernismo, tras el cual se aceptó la idea de mezclar referencias de cualquier punto de la historia. Con lo anterior en mente: su estética – una mezcla de difuminación de propaganda confederada, uncartel de auditorio del período de transición entre el siglo XVIII y el siglo XIX y la obra de Jasper Johns – es perfecta para las grabaciones de un artista que fue uno de los últimos en trabajar con la expresión tradicional dixieland, estilo con un ritmo de dos tiempos originario de la segunda década del siglo XX.
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El sonido: Tan estadounidense como el pastel de manzana, esta es una selección del tipo de jazz tradicional que puede escuchar en Nueva Orleans y en las películas de Woody Allen. En la lista se encuentran algunos de los estándares musicales que definen el cancionero popular estadounidense. Es un recital vigoroso de trompetas, trombones y clarinetes armonizado en un ritmo de 4/4 y solos con toques de improvisaciónsobrepuestos uno sobre otro con tal entusiasmo, que hace inevitable sentir que los buenos tiempos han regresado.
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Jackie’s Bag (1959) – Jackie McLean.Diseño: Reid Miles.
La apariencia:el esqueumorfismo posmoderno, o tendencia a retener elementos de un diseño original, no es algo con lo que generalmente se asocie un disco de jazz, sin embargo, esta carátula de la época de la Guerra Fría intenta parecer un expediente defuncionario de gobierno. Posee toques agradables como los desperfectos en el título y el tachado y reescritura del nombre del baterista Art Taylor, una broma cuyos motivos parecen haber sido olvidados durante mucho tiempo.
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El sonido: Proveniente de 1959, la música está muy en la línea del tiempo: tempos rápidos, progresiones de acordes complejas, improvisaciones armónicas y no tanto énfasis en la melodía. Curiosamente, dos canciones contienen elementos de exotismo étnico que llegaron a ser increíblemente popularesen la corriente musical de la década del 60.
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The Rumproller (1965) – Lee Morgan. Diseño: Reid Miles.
La apariencia: Aquí encontramos un ejemplo de escritura fluidadistorsionada años antes de la era de la psicodelia. El efecto es sorprendentemente diferente para un disco de jazz, tanto así que el título se repite en la parte superior izquierda, por encima de la alineación de artistas y marca característica. ¿Podría ser que era tan progresivo para su época que había una preocupación sobre la legibilidad?
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El sonido: Música que demuestra que el jazz puede ser simplemente divertido. La canción que da título al disco es una melodía llena de ritmos para la pista de baile, mientras que el resto es un compendio de música de café-bar: todas son melodías encantadoras con arreglos agradables de escuchar que tranquilizan al oyente.
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True Blue (1960) – Tina Brooks. Diseño: Reid Miles. Fotografía: Francis Wolff.
La apariencia:Otra pieza de alto concepto, que parece muestras de colores para un diseño de interiores, o tal vez, dado que salió en el apogeo de la era de los Mad Men, ¿una valla de humor publicitario? De cualquier forma, es un alejamiento completo de la norma: fuentes de la década del 30 para la tipografía principal, y paneles toscos coloridos y escritura a mano para una serie de juegos de palabras sobre el título.
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El sonido: Como único lanzamiento de la música de Brooks durante su vida, esta es una serie de melodías resolutivamente optimistas con, como sugiere la carátula, algo así como un “sabor” de blues para hacerlas más excitantes con algunas influencias latinas. En todo momento, la manera de tocar el saxofón tenor de Brooks es de principios de la década del 60 en estilo: nítido, económico y adecuado en algún lugar entre la intensidad de John Coltrane y el suave sonido de Dexter Gordon.
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A New Perspective (1963) – Donald Byrd. Diseño/Fotografía: Reid Miles.
La apariencia: Representa la definición de “moderno” y, tal vez, uno de los diseños más refinados de la era clásica de Blue Note. El espacio negativo y la fotografía de ángulo bajo acentúan las líneas icónicas del Jaguar E-Type, pero con una sensibilidad que le permite ser el centro de atención sin dominar el retrato de Byrd o el espacio destinado para la escritura y el logotipo.
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El sonido: Byrd es un nombre más asociado con el regreso del jazzpredecesor a la pista de baile como el jazz funk en los años 70 y 80, sin embargo, éste ya era innovador en los años 60. Byrd, también entusiasta motorista, eligió el Jaguar como la metáfora perfecta para su disco experimental que mezcla un espiritualismo de coro de góspelcon arreglos clásicos de quinteto de bebop.
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Evolution (1964) – Grachan Moncur III. Diseño: Reid Miles. Fotografía: Francis Wolff.
La apariencia:Siguiendo otras tendencias artísticas de la época, el 75% de esta portada se compone de puntos significativamente ampliados, llamadosBen-Dayal ser círculos diminutos productodel proceso de impresión mecánica. Nuevamente vemos el diseño estándar de ¼ correspondiente a la barra de encabezado y ¾ correspondientes al área de imagen, pero esta vez todo se siente un poco más incierto: la forma en que el retrato del artista se inserta en el resto de la distribución hace que parezca uno de los cien diseños de cortar y pegar.
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El sonido: A pesar de tener solo 4 pistas, la música es tan extraña como la carátula del disco. La mitad del álbum está compuesto por ensayos de improvisación frenética con estilo libre, la otra mitad son seccionesde siniestra atmosfera con arreglos ajustados. Es importante tener en cuenta que ambos pueden ocurrir en una misma canción.
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Out To Lunch (1964) – Eric Dolphy. Diseño/Fotografía: Reid Miles.
La apariencia:La carátula es notable por la ausencia de cualquier referencia abierta a la músicaaparte de los nombres de los intérpretes. Al principio, todo parece bastante recto y estructurado, en contraste con la imagen instantánea aparentemente desordenada, a excepción de su tinte azul hielo. La tipografía es ajustada, técnicamente incorrecta, pero agradable a la vista, y la fuente en negrita sans serif del título contrasta con la fuente comprimida de los nombres de los artistas, lo cual introduce el nombre de Dolphy en el logotipo.
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El sonido: La sugerencia de la cubierta es de relajación, pero la música ciertamente no lo es. Considerado por muchos como un hito del jazz “vanguardista”, cada una de las 5 composiciones comienza con una melodía reconocible y un ritmo tangible, antes de que cada uno de los instrumentistas (batería, bajo, trompeta, saxofón y la adición crucial de vibráfono) rompa la estructura con la improvisación libre, armaduras de tiempo alocadas y ritmos cambiantes.
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Unity (1965) – Larry Young. Diseño: Reid Miles.
La apariencia:Al ser un ejemplo destacado de “escritura como imagen”, esta carátula no puede evitar sobresalir. La letra mayúscula se convierte en un receptáculo para los elementos circulares que representan los cuatro interpretes individualmente,reunidos para grabar. El espacio para etiquetar se encuentra en la parte inferior, lo que es interesante, pero aún más intrigantes son las brechas irregulares debajo de la U y la N, un testimonio de los orígenes de la fundahecha bajo la técnica de pegado en oposición a la disposición moderna de computadora: desperfectosanálogos que hacen que de alguna manera se sienta más “jazz“.
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El sonido: En la década del 60, el órgano Hammond B-3 se convirtió en un instrumento principal. Mientras que otros grandes como Jimmy Smith lo llevaron adelante con la reproducción rítmica sinónima del sonido soul jazz, Young demostró aquí cómo ser funky (lleno de ritmo) e intelectual a la vez al mezclar modos y ciclos inspirados en la manera de tocar el teclado clásico.
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Let Em Roll (1966) – Big John Patton. Diseño/Fotografía: Reid Miles.
La apariencia: Esta carátula de diseño icónico, ha sido imitada en múltiples ocasiones. Impetuoso pero finamente concebido, el texto naranja y blanco aparece sobre el fondo rojo con cada palabra del título y el nombre del artista horizontalmente desplazados, para seguir los contornos corporales de la silueta femenina. Es notable cómo los elementos “oficiales”, como los números de catálogo y los logotipos de los socios, se desplazan hacia el exterior y siguen siendo parte del diseño como elementos de encuadre.
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El sonido: Con tal carátula, podemos esperar que los contenidos sean igualmente ostentosos. Y no estamos equivocados. Este es un álbum de hard-bebop y soul jazz dirigido por órgano Hammond, es decir, piezas bailables dirigidas por ritmos que se centran en despertar interés rítmico tanto en las líneas de melodía como en las improvisaciones de solos instrumentales.
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Maiden Voyage (1965) – Herbie Hancock. Diseño/Fotografía: Reid Miles.
La apariencia: Los tones verdes son inusuales para Blue Note y significa una grabación que hace las cosas de manera diferente tanto musical como gráficamente. El diseño es la composición usada con frecuencia debarra de encabezado e imagen, pero esta vez con un título genialmente desobediente que invade la imágen de vela borrosa en movimiento, característica de un tiempo posterior.
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El sonido: Navegar es el indicador visual correcto para un álbum cuyas 5 piezas son composiciones largas que evocan una fuerte sensación de viaje. Las melodías se establecen antes de fundirse en suavesimprovisaciones melodiosas que exploran la temática más a fondo antes de volver a la melodía principal. Otros lo habían intentado antes, pero en manos de Hancock, lo anterior se alcanza de manera impecable.
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Hand on the Torch (1993) – Us3. Diseño: Desconocido.
La apariencia: Dominado por el logo del grupo en una fuente fatserif, entrelazado con el título del álbum y su marca, hay una gran referencia alBlue Note de la era clásica, mientras que las rayas de colores sugieren algo intemporal; tienen una cualidad primitiva que hace referencia a las culturas tribales con las que la cultura hip-hop de la época está fuertemente identificada.
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El sonido: En concordancia con su elemento visual, la grabación es un manifiesto para la próxima etapa en la evolución del jazz, es decir, una fusión con el hip-hop. Las actuaciones están dominadas por ritmos de tambores pesados y ligeroscantos de rap acoplados con muestras de grabaciones clásicas del catálogo de la disquera y grabaciones en vivo de piano, guitarra, bajo y charanga.
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Perceptual (2000) – The Brian Blade Fellowship. Diseño: Brian Blade. Fotografía: Edward Curtis.
La apariencia: Corresponde a una rara ocasión en la cual un artista diseña su propia carátula, la estética es igualmente curiosa. Con el 50% libro de texto etnográfico y el otro 50% disco de Jazz fusion, podríamos perdonarnos por pensar que fue lanzado en 1972. Sin embargo, una mirada más cercana revela una tipografía moderna, diseñada por computadora, que data de tiempos posteriores. Aparte de eso, es exactamente el tipo de diseño estricto, reducido, modesto, a menudo favorecido por el período y el género. En resumen, aparte del pequeño logotipo en la parte inferior derecha, no es nada parecido a lo que esperamos que sea un lanzamiento de Blue Note.
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El sonido: Desde los compases de apertura, este suena como un disco moderno. Cada instrumento ha sido incluidode tal forma que se alcanza una mezcla perfecta de sonido, casi insostenible. Las composiciones son pura fusión, con influencias procedentes de todos los rincones de la música, pero con arreglos que se mantienen ajustados de manera queningún sonido es dominante, excepto tal vez por la guitarra,la cual se encuentra en algún lugar entre George Benson y Van Halen. El resultado es una grabación de melancolía e inquietudinterrumpida por crescendos de positividad.
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Tourist (2000) – St Germain. Diseño/Fotografía: Desconocido.
La apariencia: Al hacer referencia abiertamente a la nacionalidad del creador, esta carátula mezcla una imagen histórica borrosade París de la era clásica con tipografía digital no específica. La imagen podría representar paneles de destino para hacer referencia al título, pero en realidad no importa: la mezcla de lo antiguo y lo nuevo es adecuadamente enigmática. El artista y la marca pasan a un plano secundario de una manera contemporánea y altruista.
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El sonido: Se puede catalogar como la definición exacta de un álbum de fusión. Intervenciones de bajo ycompases electrónicos, un muestreo instrumental y vocal, y solos en vivo se combinan para hacer referencia a la mayor parte de la historia del jazz: espirituales primitivos, estilos de ritmos para pista de baile, jazzmelódico fresco, funk relajante y reggae; todos están presentes. El resultado es una música que, si es posible, se siente como un abrazo cálido y ahumado.
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Ten (2010) – Jason Moran. Diseño: Desconocido.
La apariencia:Evocando todo, desde la notación musical hasta la codificación por computadora, las pinturas de Damien Hirst o las secuencias de títulos de Maurice Binder, los 10 puntos son unaconcepción cargada de significado, y su calidad abstracta tiene un “vanguardismo” inherente. No todo es estilo, ya que también denotan simbólicamente el título del álbum;donde el punto aislado de la parte superior izquierda es una alegoría a la separación de la multitud.
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El sonido: Con una funda que intenta ser tan despiadadamente contemporánea, gran parte de su música sigue varios modos de expresión del jazz moderno explorado por el sello discográfico en las décadas de los 50 y 60–desglose de jazz libre, exploraciones bebopde armonía y referencia melódica – con los elementos de ruido blanco y artefactos electrónicos propiosdel siglo XXI.
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Enjoy the View (2014) – Bobby Hutcherson. Diseño: Desconocido.
La apariencia:Un nuevo disco de músicos del sello pertenecientes a generaciones pasadas, esta carátula elegante y exitosa, de alguna manera destila poco esfuerzo, y, sin embargo,logra situarse en ambos mundos al ver lo viejo y lo nuevo simultáneamente a través de su claro homenaje contemporáneo al modernismo de la era clásica Blue Note. Se aprecia el motivo circular una vez más, esta vez como unaalusión abstracta de un pueblo y su horizonte o un vibráfono desarmado.
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El sonido: De acuerdo con su identidad gráfica, este es una grabación de sonido muy cambiante, probablemente debido a las cualidades inherentes del vibráfono. Hutcherson hizo un gran esfuerzo para convertirlo en un instrumento principal, y aquí su interpretación se combina con el órgano Hammond, el saxofón y la batería para crear una grabación increíblemente desenfrenada y sin restricción. La inspiración se toma de todo el espectro del jazz, pero en conjunto aún suena agradablemente contemporánea y con visión de futuro.
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La apariencia:los retratos siempre han sido una gran parte de la estética de Blue Note, pero no tanto los retratos ilustrados. A pesar del nombre del disco, esta imagen en particular es todo menos monótona. En vez de eso, su estilo fragmentado de libro de cómics o de grabado de madera permite una combinación astuta de un rostro (presumiblemente del artista) y un paisaje urbano. Es distintivo y completamente representativo de un artista cuya musicalidad proviene de todas las direcciones.
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El sonido: Este álbum es en gran medida de la “nueva escuela”, al serun conjunto de obras dirigidas por el piano. Hay rastros de estilos de jazz anteriores, aunque de estilo libre, pero mayormenteinfluenciados por los sonidos clásicos como el folk eslavo y la musique concrète. Vincular todo está de acuerdo con un aparente dogma del jazz contemporáneo: se debe presentar una actitud seria e intensa en todo momento.
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Man Made Object (2016) – Gogo Penguin. Diseño/Fotografía: Desconocido.
La apariencia: a pesar del apelativo kitsch, el lenguaje visual del grupo se caracteriza por el minimalismo logrado de artistas como Bridget Riley o su compañero Mancunian Peter Saville. Las formas geométricas simples y el color vívido en un fondoblanco son una combinación ganadora, pero aún más agradable es la sensación de profundidad y perspectiva creada cuando los diferentes tonos se superponen.
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El sonido: De hecho, este podría ser una definición del procedimiento operativo de la música. Aquí el jazzestá en el modo cinematográfico, la batería muy sincopada y la intervención del bajo inspirado en la música electrónica se superponen con el piano melódico y otros instrumentos para crear una sensación de espacio y tiempo ilimitados.
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